Creo que nunca he hablado aquí en serio de Jefferson Airplane. Es una banda que me gusta mucho desde hace tiempo. Lo que me ha hecho querer hacer un post sobre ellos es que, hasta ahora, sólo había escuchado uno de sus discos. Y ahora tengo 3. Pues bien, Jefferson Airplane fue un grupo de Estados Unidos surgido en la ciudad de San Francisco (California), pionero del movimiento psicodélico influenciado por el LSD. La actuación en agosto de 1969 en Woodstock es considerada uno de los momentos más memorables del rock. (Todo esto según Wikipedia).

Sus primeras influencias, según esto, serían los Beatles, The Byrds o The Lovin’ Spoonful, es decir, influencias básicas del Merseybeat británico y el folk de esos años. Su primer disco es Jefferson Airplane Takes Off. En él predominan los temas folk. Después, llegaría Surrealistic Pillow (1967) que incluye el clásicos White Rabbit (inspirado por el LSD, el Bolero de Ravel y Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll).

Recuerdo que mis primeras aproximaciones a Jefferson Airplane han tomado caminos diversos: conocí Somebody To love a raíz de ver la película Loco a domicilio, en la que un frenético Jimy Carrey la cantaba. Y me encantó. Pensaba que era de Jimy Carrey, cuando era pequeña. Después descubrí, escuchando la Banda Sonora de Platoon, que había una canción que me atraía de una manera especial, más que las demás, que me producía sensaciones indescriptibles: White Rabbit me marcó. Me quedé con el nombre del grupo. Y busqué más canciones suyas en Internet. En ese momento fue cuando me enteré de que Somebody to love era de ellos. Pensaba que, como en éstas dos canta la misma voz, femenina, en las demás también sería así, pero no. La mayoría de las canciones las canta una voz masculina, con una voz peculiar, lo que también me atrajo y me hizo seguir escuchándolo.

De este disco también están muy bien My Best Friend y Plastic Fantastic Lover. Y éste, Surrealistic Pillow, ha sido el primero que he tenido de ellos. Alcanza el éxito en su época consiguiendo el puesto nº3 en USA, tras el Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de los Beatles. Fue uno de los discos principales del que fue llamado Verano del Amor. El nombre del disco fue sugerido por su productor Jerry García (de Grateful Dead) cuando estimó que sonaba “surrealista como una pastilla”. La compañía no permitió que García apareciera como productor así que en el libreto aparece como consejero espiritual.

Con el siguiente trabajo, After Bathing at Baxter’s, se introducen en lo que se llamó rock ácido. (Pero éste no lo tengo aún). En 1968 editan Crown of Creation, que sí lo tengo ya. Sus canciones más destacadas son Lather (de Grace Slick), supuestamente dedicada al batería Spencer Dryden con quien se decía que tenía una relación; Triad, una canción de David Crosby de The Byrds, no publicada con su banda por su temática sobre un ménage à trois; y el himno del sexo libre y las drogas Greasy Heart.

Cuando la escena de San Francisco comenzaba a desaparecer, en 1969, editan Volunteers, su disco más político.

Y para terminar, aquí os dejo sus dos canciones más conocidas:

Aún estoy esperando a que salga la crónica en el periódico. Esta tarde en el trabajo no he leído nada sobre lo que pasó ayer en La Riviera. Maldita sea. ¿Cómo puede ser más importante que el Rey haya dicho a un orangután “por qué no te callas” que el milagro de que Jeff Tweedy haya hecho felices a miles de personas con su sombrero de cowboy? Sí, ya sé que la noticia de Juancar enervado es acojonante, pero lo de ayer os puedo asegurar que también lo fue.

Aún no me puedo creer que abrieran con You Are My Face. Había estado todo el día con esa canción en la cabeza. Y van y abren con ésa. Me había pasado el día esperando a que llegara la hora de ir al concierto. No pensaba que me fuera a gustar tanto. La espera fue larga y tediosa, con mucha gente alrededor y todos fumando, haciendo que, de tanto aguantar, me dieran ganas de fumar a mí también. A ver, está claro que no iba a ser menos. Pero no lo hice; habría sido demasiado surrealista. Los teloneros, The Sunday Drivers, estuvieron 15 minutos escasos dándole a la voz y a la guitarra, pero conformaron un buen e interesante preludio.

Estábamos todos (los de las gafas de pasta, los de las patillas y perilla, los que lo tenían todo junto; las chicas, un hombre mayor, un calvo alto que me quitaba un poco de visibilidad, los demás, y yo) un poco expectantes y cada vez más aburridos, pero felices porque íbamos –por fin- a ver a Jeff Tweedy en todo su esplendor. Yo tenía mucha curiosidad, no en vano era mi primera vez. Y, como dije en otro post anterior, las primeras veces suelen ser las mejores. Ésta en concreto fue apoteósica, memorable, y duró dos horitas que se me pasaron en nada (a pesar del dolor de pies, de hombros y del calor, a ratos). Entramos a las 8 y el sombrero de cowboy irrumpió en escena a las 9.30 pasadas. Con él sobre la cabeza, Jeff trajo la felicidad a la tierra. Los primeros acordes de You Are my face nos envolvieron en un incesante devenir de dulzura y armonía, que continuarían (aunque no por este orden) con Hate It Here y Walken, y que se convertirían en paz y amor con Side with The Sheeds, emocionante como pocas. Para cerrar el listado de canciones del último disco, la ‘definitiva’ Sky Blue Sky, acojonante también, Impossible Germany (¡imposible que no la hubieran tocado! aquí ya está subido el directo en el punteo final para que lo vean los que no pudieron asistir) y On and On, estríctamente impecable.

Pero ¿qué decir de la experimental I´m trying To Break Your Heart, del álbum que les marcó a ellos mismos y a todos sus fans? Creo que el Yankee Hotel es uno de mis discos favoritos, no sé si del grupo, porque, como en todas las buenas cosas, es difícil quedarse con una sola canción o con un único trabajo. Pot kettle Black es otra de las que no podían faltar. Me gusta mucho. Y también Hummingbird, que tardó en salir, pero que fue sencillamente espléndida y acercó al público. Heavy Mettal Drummer y I´m the Man Who loves You animaron mucho más el cotarro (aunque tampoco hacía falta). Vía Chicago, definitivamente, un riesgo exquisito: quedó bordada.

¿Y qué decir del guitarrista, Nels Cline? cojonudo, aunque haya sido criticado por los numerosos solos que se marca. Jeff Tweedy me pareció dulce y cercano, aunque digan que tiende a mostrarse poco expresivo. Bastante para sus migrañas y su aparente timidez. Nada de buscar protagonismo, como debe ser. Y el “siento no hablar español. La próxima vez lo haré”, me hizo sonreír. La forma en que decía “hola” (lo único que sabía decir en el idioma de Cervantes), también. Buena voz, buenas guitarras y, en general, un grupo que se presentó impresionante e imprescindible como pocos en directo. Dos horas de éxtasis musical, de sentir el arte en tus propias carnes, como si estuvieran tocando sólo para ti.

Sé que me he dejado canciones: War On War, I Got you, A Shot In The Arm, o Spider, canción que marcaría el principio del fin del concierto. Queríamos que salieran más. Pero cuando se encendieron las luces y sonó de nuevo la musiquilla del principio, entendimos que la felicidad estaba próxima a desvanecerse de nuestras vidas, aunque esperemos que no para siempre. Sólo nos queda el intento de remedarlo escuchando una y otra vez, solos y en nuestros habitáculos propios, Kamera, Radio Cure, I´m trying To Break Your Heart, Company in my back, Vía Chicago, Sky Blue sky, o One by one.

-GOT TO GET YOU INTO MY LIFE-

I was alone, I took a ride
I didn't know what I would find there
Another road where maybe I
Could see another kind of mind there
Ooh then I suddenly see you
Ooh did I tell you I need you
Every single day of my life?
You didn't run, you didn't lie
You knew I wanted just to hold you
And had you gone you knew in time
We'd meet again for I had told you
Ooh you were meant to be near me
Ooh and I want you hear me
Say we'll be together every day
Got to get you into my life
What can I do, what can I be?
When I'm with you I want to stay there
If I'm true I'll never leave
And if I do I know the way there
Ooh then I suddenly see you
Ooh did I tell you I need you
Every single day of my life?
Got to get you into my life
Got to get you into my life
I was alone, I took a ride
I didn't know what I would find there
Another road where maybe I
Could see another kind of mind there
Ooh then suddenly I see you
Ooh did I tell you I need you
Every single day of my life?

Después de leer en Internet opiniones de este disco de los Clap Your Hands Say Yeah, casi todas desfavorables, o, sobre todo, desfavorables en relación con el anterior, yo tengo que decir que, habiendo escuchado Some Loud Thunder antes que el primero, me quedo con los dos. No es de extrañar que de un grupo te deslumbre su primer disco, para ser más crítico con el siguiente que, sin ser peor, es sencillamente diferente. A mí con estos me ha pasado a la inversa. Tardé en darme cuenta de que el primero era tan bueno como el segundo, y es que el segundo, tras alguna escucha, me deslumbró completamente. El comienzo es fresco, con la canción que da título al disco, Some Loud Thunder, y deja paso a una radiante y acampanillada Emily Jean Stock, para sumergirnos en la psicodelia experimental y decadente de Mama, Won´t You Keep Those Castles in The Air and Burning. Como colofón a la primera parte del disco (tras estas dos nada es igual), tenemos Love Song nº 7. Algunos dicen que es triste, pero, en todo caso es evocadora y algo mágica, bien trabajada y con arreglos exquisitos. La mezcla del piano con los sonidos más experimentales, lo mejor. Y de trasfondo, la voz quebrada de un Alec quejumbroso…

La segunda parte, (división artificial y gratuita que hago yo del disco) comienza con un ritmo estrepitoso y frenético. El demonio de los CYHSY se ha escapado y quiere que bailes. Creo que ésta, Satan Said Dance es una de mis menos favoritas, quizá por ello la sitúo en el cambio de tercio. No obstante, deja paso al ritmo calmado y acogedor de Upon Encountering The Crippled Elephant, que en un minuto y diez te traslada casi al mundo de Amelie. Es el preludio de la nostálgica Good Bye To The Mother And The Cove, que continúa marcando este estilo de la segunda parte. La agonía del final de la canción deja paso a una parada para respirar gracias a Arm And Hammer, que suena bien a base de efectos “radio mal sintonizada”. Con Yankee Go Home escuchamos la súplica más explícita que se mete de lleno en harina política. Pero, letras aparte, la melodía de esta canción es maravillosa e incluso lacrimógena. Un lamento desenfrenado que suena muy bien en nuestros oídos.

El broche final nos lo trae una canción muy animada y fresca Underwater (You And Me) que no obstante, evoca reminiscencias oscuras, de las de “otro tiempo pasado fue mejor”, y es que a nuevo milenio no suena. Me suena a cajón de madera lleno de fotos viejas y a radio española de los 80. Five Easy Pieces no es una canción. Cierra el disco, y punto. De hecho yo nunca cuento con ella. Es de esas canciones que están ahí justo para eso, para cerrar el disco, y que por ello no dejan de ser necesarias. En definitiva, 11 canciones que suenan a radio mal sintonizada (cada una son sus más y sus menos) y que dejan un sabor agridulce en nuestros paladares. Nada convencional. Otro día, comento el primer disco de este grupo neoyorkino, de los Clap Your Hands Say Yeah, disco de nombre homónimo. Y muy bueno también...

THERE IS A LIGHT THAT NEVER GOES OUT (The Smiths)

Take me out tonight
Where there's music and there's people
And they're young and alive
Driving in your car
I never never want to go home
Because I haven't got one
Anymore

Take me out tonight
Because I want to see people and I
Want to see life
Driving in your car
Oh, please don't drop me home
Because it's not my home, it's their
Home, and I'm welcome no more

And if a double-decker bus
Crashes into us
To die by your side
Is such a heavenly way to die
And if a ten-ton truck
Kills the both of us
To die by your side
Well, the pleasure - the privilege is mine

Take me out tonight
Take me anywhere, I don't care
I don't care, I don't care
And in the darkened underpass
I thought Oh God, my chance has come at last
(But then a strange fear gripped me and I
Just couldn't ask)

Take me out tonight
Oh, take me anywhere, I don't care
I don't care, I don't care
Driving in your car
I never never want to go home
Because I haven't got one, da ...
Oh, I haven't got one

And if a double-decker bus
Crashes into us
To die by your side
Is such a heavenly way to die
And if a ten-ton truck
Kills the both of us
To die by your side
Well, the pleasure - the privilege is mine

Oh, There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out
There Is A Light And It Never Goes Out

Stealers Wheel, Stuck In The Middle With You

Well I don't know why I came here tonight, Bueno, no sé porque vine aquí esta noche
I got the feeling that something ain't right, Me da la sensación de que algo va mal
I'm so scared in case I fall off my chair, Tengo miedo de caerme de la silla
And I'm wondering how I'll get down the stairs, Y me pregunto cómo bajaré las escaleras
Clowns to the left of me, Payasos a mi izquierda
Jokers to the right, here I am, Cretinos a mi derecha, aquí estoy
Stuck in the middle with you. En el medio contigo

Yes I'm stuck in the middle with you, Sí, estoy en el medio contigo
And I'm wondering what it is I should do, y me preguntó qué debería hacer
It's so hard to keep this smile from my face, es tan difícil mantener la sonrisa
Losing control, yeah, I'm all over the place, estoy perdiendo el control, sí
Clowns to the left of me, Jokers to the right, payasos a mi izquierda, cretinos a mi derecha,
Here I am, stuck in the middle with you. Aquí estoy, en el medio contigo

Well you started out with nothing, Tú no comenzaste nada
And you're proud that you're a self made man, y estás orgulloso de ser un tipo seguro
And your friends, they all come crawlin, pero tus amigos vienen en plan graciosos
Slap you on the back and say, y te dan la espalda
Please.... Please..... Dios, por favor, por favor

Trying to make some sense of it all, Estoy tratándo de encontrarle algún sentido a todo esto
But I can see that it makes no sense at all, Pero veo que no lo tiene en absoluto
Is it cool to go to sleep on the floor, Sería la leche ponerme a dormir en el suelo
'Cause I don't think that I can take anymore Porque no podría dar un paso más
Clowns to the left of me, Jokers to the right, Payasos a mi izquierda, cretinos a mi derecha
Here I am, stuck in the middle with you. Aquí estoy, en el medio contigo

- FOTO: Escena de "Reservoir Dogs" en la que suena esta canción, de la radio de los 70.

- TRADUCCIÓN: libre.

Tears For Affairs, Camera Obscura

Wilco

The Shins

Grupo cuya música se podría describir también como Indie rock, aunque manejan los estilos pop, rock alternativo, country o folk. Nace en Alburquerque, Nuevo México, de la mano de James Mercer, Jesse Sandoval y Marty Crandall, tres miembros del grupo Flake Music (1997). Después se uniría Dave Hernández, que al poco tiempo fue sustituido por otro ex-Flake, Neal Langford, para años después, volver de nuevo. Algunas canciones que están bien: “Caring Is creepy”, “So says I”, "Phantom Limb", “Australia”, “Sleeping lessons”, o “Spilt Needles”. Hay que seguir investigando este grupo.

Clap Your Hands Say Yeah

Banda estadounidense de indie, originaria de Brooklyn, Nueva York y Filadelfia, Pennsylvania. Su álbum debut, Clap Your Hands Say Yeah, fue lanzado en 2005. Los miembros de la banda, que se conocieron en la Universidad de Connecticut, comenzaron a tocar semanalmente en el club Pianos de Nueva York. Es destacable el hecho de que se hayan convertido en un relativo éxito comercial en Estados Unidos y Europa sin haber firmado con ningún sello discográfico, exclusivamente a través de Internet. La aparición de David Bowie y David Byrne como espectadores de algunos de los conciertos de la banda en 2005 ha hecho crecer el reconocimiento de la banda en círculos musicales. Una de las muchas virtudes que tiene la banda es la estridente y algo desafinada voz de Alec, el cantante, que dice haber recibido influencias de Van Morrison, Aretha Franklin, Elvis Presley, the Beach Boys, the Heavenly Gospel Singers, Neil Young, Tom Waits, y Bob Dylan. En enero de este año han sacado el segundo disco, Some Loud Thunder, y como canciones recomendadas, “Arm and Hammer”, “Some Loud Thunder”,  “Blue Turning Gray”, o “Gimmie some salt”.

Como hoy no me apetece contar mi vida pero me apetece sin embargo contaros algo, he decidido propagar aún más mi sabiduría por estos mundos de inernete; en este caso, mi sabiduría musical. Tengo en mente hacer un segundo capítulo de música (sólo he hecho cuatro grupos, aunque tampoco está mal) y los voy a poner en post diferenciados para que haya una foto de cada uno. (No sé cómo se puede poner más de una foto en cada post...y sé que hay gente que lo hace. ¿Cómo se hará?) Bueno, también he pensado en hacer otro post de sabiduría literaria, en plan recomendaciones cortas y rápidas. Otro día quizás.

Bueno, pues aún a riesgo de que algunos/as me tilden de rarita… he aquí todo aquello que tenéis que escuchar para saber de qué va la cosa: adjunto información básica y algunas cosas de cosecha propia.

The Flaming Lips

Banda americana de rock alternativo aclamada e idiosincrásica, formada en 1983. Seguidores del grupo de los 70 Black Sabbath, son conocidos por sus arreglos exuberantes y psicodélicos, sus letras surrealistas y los títulos extraños de sus canciones. También son aclamados por sus conciertos excéntricos; incluyendo trajes de animales, títeres, proyecciones de video y globos muy grandes. En 2002, Q magazine, nombró a The Flaming Lips una de las "50 Bandas para ver antes de morir". (Wikipedia). Y al margen de esto, se pueden recomendar canciones tales como “Lighting Strikes The Postman”, “The Fight Test”, “The Magician vs. The headhache”, o “The Yeah Yeah Yeah Song”. Hay que seguir escuchando a este grupo para añadir más canciones a las favoritas, así que ya sabéis.

Hoy toca una canción que me anima y que está muy bien. Los Cardigans no están mal, ¿no? Yo los tenía un poco olvidados, pero ahí están; y tienen buenas canciones como ésta. Además, es bastante propicia para las fechas en las que estamos... Recuerdo que yo tenía un disco de este grupo cuando tenía unos 14 años, pero se lo dejé a un novio que tuvo de mi hermana, y ya lo he visto... Ahora bien, yo me quedé con su "Rebelión en la granja" de George Orwell. ¿Quién habrá perdido más?... En fin, como yo no sé poner aquí vídeos del archimanoseado YouTube, (ni quiero saber) os pongo un link, que hasta ahí sí llego. Creo que tenéis la canción por aquí, junto a otras que también os pueden interesar: http://www.mp3fusion.net/mp3_archive/t/32.html

Carnival, The Cardigans

I will never know
cause you will never show
come on and love me now
come on and love me now

Carnival came by my town today
bright lights from giantwheels
fall on the alleyways
and I'm here
by my door
waiting for you

I will never know
cause you will never show
come on and love me now
come on and love me now

I here sounds of lovers
barrel organs, mothers
I would like to take you
down there
just to make you mine
in a merry-go-round

No podía ser de otra forma. Tengo ganas de que llegue el viernes que viene, y llevo dos días pensando en lo bien que me lo pasé este último viernes. Me quedan cinco largos días, pero no importa lo grises o aburridos que sean porque el viernes llegará, llegará de todas formas, mientras escucho esta canción.

The Cure - Friday I´m in Love 

El concierto de ayer duró menos de lo normal, se cantó menos gospel, y mi hermana apenas cantó. Hay movidas entre los componentes del grupo. Hasta el último momento ni siquiera se sabía si iba a haber concierto por la ausencia voluntaria del bajista. La última noticia que yo tuve es que habían encontrado a otro, pero cuando comenzó el concierto, allí estaba él, el de siempre. Bueno, a mí, mientras no me cambien al batería, que está tremendo, me da igual. Aunque en realidad son todos muy majos, muy agradables de ver. En los conciertos de mi hermana no sólo se deleitan mis oídos…

La frikada del día la protagonicé yo, - como siempre- instada por mi padre a colarme entre bastidores para ver qué hacía el grupo cinco minutos antes de salir a cantar. Lo cierto es que antes de que empezara el concierto, mi hermana me había llamado cuando iba en el autobús y –misteriosamente- yo no tenía cobertura.  Entonces, mi padre me desafió a cruzar el escenario y a preguntarle a mi hermana qué quería por 10 euros. La verdad es que mi padre siempre me ha considerado una “corta” y, para demostrarle que no lo soy y para ganarme esos 10 euros (oye, que 10 euros son dos copas y libro y medio de Anagrama) lo hice.  Me subí al escenario, ante las atentas miradas de todo el público, lo crucé y me colé. Estaban todos juntos en un cuartito, como si fueran jugadores que se estuvieran concentrando antes de salir al campo. Aquello parecía un entierro; y cuando entré yo haciendo toc, toc en la puerta y mostrando mis disculpas, los rostros de perplejidad y desconcierto de todos los componentes fueron manifiestos. Se hizo el silencio. No veía a mi hermana (a pesar de que era una habitación muy pequeña), y alguien me la señaló (lo que me hizo pensar que ya saben quién soy). Entonces le pregunté por qué me había llamado. La respuesta que me dio me pareció un tanto absurda: “Sí, es que quería verte antes del concierto para… bueno, ya nada, déjalo”. Entonces, la cara de desconcierto en este punto fue la mía, y ya no sabía si pirarme porque molestaba o seguir insistiendo en qué quería mi hermana. Decidí pirarme enseguida en cuanto vi que realmente molestaba y que alguien empezó a decir “bueno, venga…” en señal de que quería que el grupo continuara con la “concentración”. 

Las dos primeras canciones eran las africanas que desde el año pasado han incluido en su repertorio, y que quedan muy bien, muy vistosas. Instrumentos de origen africano acompañan al conjunto de voces y palmas en Thinga Sinmobile. Después, Angels (de Robbie Williams), I´ll be missing you en plan rapeo de Puff Daddy, que a pesar de eso quedó bien, y I Still Haven´t Found What I´m looking for, de U2, que han versionado en plan gospel con su correspondiente coro. Sobra decir que estas canciones son interpretadas en solitario por voces masculinas. En mi opinión, cada vez hacen menos gospel en aras de ofrecer a un público – que es cada vez más amplio-, canciones facilonas y conocidas… Pero bueno, es sólo mi opinión, y ya me crujirá quien opine lo contario y a quien le corresponda hacerlo si se encuentra con mi blog.

La verdad es que juego con ventaja porque tengo acceso a más informaciones que el resto de posibles cronistas sobre el grupo. Ayer tocaron en la casa de la cultura de El Escorial, con un aforo de 126 personas, aunque también hubo gente que se quedó de pié.  El año pasado, en mayo, tuvieron la oportunidad de cantar en el Real Coliseo Carlos III en San Lorenzo, y la verdad es que ese concierto estuvo muy bien. La acústica era mucho más buena, y el público, siendo en cierto modo más ajeno al grupo porque tenían lugar dos actuaciones conjuntas, primero unas sevillanas (creo) y luego el gospel, quedó fascinado por la música que se hizo y por las voces de unas gurriatas que desde entonces ya nunca más podrían pasar desapercibidas. También han cantado en pubs de la capital ( ¡y en el programa de Ana Rosa y en el de la Tárrega!), pero yo aún sólo he podido ir a verles en el pueblo.

Después de esas canciones menos gospel, vinieron otras ya más soul: Amen (que me gustó especialmente), Go Down Moses (Let My People Go), muy buena, (que en un capítulo del Príncipe de Bel-Air cantan Carlton y el propio Will cuando les meten en la cárcel), Nearer, etc. Dejaron de cantar Thank You y I´m Kissing You de Dess´re, quizá por las movidas que hay, y porque son canciones que pueden llegar a emocionarte verdaderamente. Otra que han metido nueva y que no veo muy adecuada (pero que quedó bien) es We Are the World, (We are the children). En fin, hoy estoy muy criticona. Pero es que las canciones que cantaba antes mi hermana (que son más gospel aunque menos conocidas) estaban mejor. Ain´t no Mountain High Enough nunca falta en el repertorio, y Oh Happy Day es un clásico que tampoco puede faltar para cerrar el concierto como se merece. Me gustó cómo acabó, con niños de entre el público felices y emocionados cantando con ellos sobre el escenario.

Revolver (1966) supuso un punto y aparte en la carrera de los cuatro de Liverpool. Los Beatles llevaban ya tres años y medio siendo los dueños del mundo, "estaban cansados de afrontar audiencias de quinceañeras que sólo iban a los conciertos para soltar adrenalina gritando y ni siquiera se daban cuenta de si sus ídolos desafinaban". No en vano, tres semanas después del lanzamiento de Revolver, dieron en el Candlestick Park de San Francisco su último concierto. Así, ya en una etapa más reflexiva, empezaron a empaparse de las influencias de la poesía musical de Bob Dylan y de la magia de los Byrds. En Revolver empiezan a incluir instrumentos exóticos en sus composiciones, y sustituyen las típicas letras de amor chico-chica por otras más intelectuales y existenciales, que elaboran, bajo la influencia primero de la marihuana, y después del que se hizo célebre por aquel entonces, el LSD. Revolver, por otra parte, fue testigo privilegiado del uso del ADT (doblaje artificial de la voz) por primera vez. Respecto a la portada de este disco (una de mis preferidas), fue diseñada por Klaus Voorman, artista que se ocupó también de crear las de los discos antologies. La de Revolver es una portada tan innovadora como el álbum: nos muestra un collage de fotos en blanco y negro con dibujos de los Beatles, y es curioso también el hecho de que en esta portada no aparezca el nombre del grupo. Sólo pone "Revolver". Todo lo contrario ocurre en el Álbum Blanco, que es conocido así por todo el mundo, cuando en realidad se llama "The Beatles".

Taxman, de George Harrison, es la primera canción de Revolver. Es curioso porque éste es el primer disco de los Beatles que abre con una canción de Harrison. Es una canción bastante buena, dicen que ácida, y la melodía nos recuerda a la de Batman, aunque Taxman no va precisamente de ciencia ficción. Fue inspirada por la cantidad tan elevada de impuestos que el cuarteto tenía que pagar gracias a un contrato algo exigente que habían firmado con EMI. En la canción se habla, (a instancias de Lennon), de un tal Mr Wilson y a un tal Mr Heathse, que eran Harold Wilson y Edward Heath, primer ministro y jefe de la oposición de Inglaterra en aquellos años, respectivamente. En Eleanor Rigby, Paul McCartney y George Martin (productor) , sin batería ni ritmo algunos, tan solo cuerdas y voces, consiguieron "la melodía más exquisita del mundo". Los instrumentos fueron grabados con los micrófonos bastante cercanos a ellos para conseguir más intensidad. Según las últimas teorías, la historia de Eleanor Rigby parece haber sido sacada de una lápida que Paul McCartney leyó en su juventud. Pero lo que más llama la atención de esta canción es sin duda la letra y esa tan desamparada atmósfera que evoca: "¿De dónde viene toda la gente solitaria?" No pertenecen a ninguna parte, como la misma Eleanor o el Father McKenzye, que sólo se dedica a zurcir calcetines de noche y a escribir sermones que nadie oirá.

I´m Only Sleeping no tiene desperdicio. Me atrevería a decir que es mi favorita (o una de mis favoritas) de este disco. Impresiona ese Lennon angustiado, que sólo quiere que le dejen dormir, que le dejen tomarse su tiempo mientras echa un vistazo desde la ventana de su cuarto y ve a todo el mundo estresado, corriendo siempre de un sitio para otro. Pero de esta canción también hay que destacar los nuevos efectos musicales conseguidos: esas guitarras de Harrison que suenan al revés nos hacen comprender que todo, absolutamente todo, es posible en ese universo tan particular de los Beatles.La enigmática Love You To es la primera composición india de George Harrison, en la que utiliza esos instrumentos exóticos de los que hablaba: la tabla y el sitar. Una canción preciosa como pocas es Here, There and Everywhere. Recuerdo que hace tiempo me dormía escuchándola, y la repetía cientos de veces en mi mp3 mientras intentaba olvidarme del mundo, y sólo tenía oídos para ella y ojos para la oscuridad del techo de mi habitación. ¿Qué decir de Yellow Submarine? Archiconocida en el mundo entero, la creó Paul pensando en el público infantil, y le propuso a Ringo que la cantara él. She Said She Said es otra impresionante locura de Lennon que inevitablemente acaba por atraparnos. La letra tiene su miga, y es que la escribió pensando en una conversación que tuvieron con Peter Fonda, quien les guiaba a él y a George en sus primeros "viajes" con el LSD en una fiesta nocturna. Cuando George le dijo al actor que se moría, éste contestó que cuando tenía 10 años se había disparado accidentalmente en el estómago a sí mismo, y que su corazón se paró tres veces: "I know what is like to be dead" (sé como es estar muerto) a lo que John respondió "You're making me feel like I've never been borned. Who put all that shit in your head?" (me estás haciendo sentir como si no hubiera nacido nunca. ¿Quién te ha metido toda esa mierda en la cabeza?) Aunque la primera versión de la canción era bastante agresiva, John, prudentemente, la suavizó al final refiriendose a una mujer y cambió algunas frases, como por ejemplo, "¿Quién te ha puesto todas esas cosas en el pelo?" en lugar de la anteriormente mencionada.

Otra canción impregnada del "nuevo universo beatle drogas y amor" es Dr. Robert, personaje real que suministraba al cuarteto estupefacientes y sustancias diversas, y al que Lennon dedicó esta canción con toda la intención. Lo mejor sin duda de ella es el guitarreo. Good Day Sunshine es una pieza musical más de McCartney al piano, no tan buena como For No One, realmente conmovedora, y que se sale del disco. Respecto a And Your Bird Can Sing, aunque Lennon parecía odiarla y la llamó "un horror" y "para tirar" la verdad es que es bastante pegadiza. Hay que considerar que John podía llegar a odiar una canción porque la letra no significaba nada y la tuvo que escribir para llenar el cupo. Especialmente interesante es la guitarra a lo largo de toda la canción (dos guitarras que se doblan) y las voces agudas de George y Paul. El efecto del estereo en la batería, sobre todo durante el estribillo "...when your priced possesions..." es una muestra más de la gran producción de George Martin.

En I Want To Tell You volvemos a oír a un Harrison esta vez un tanto empalagoso, y que no parece el mismo que criticaba los asquerosos impuestos en Taxman. Pero, de todas formas, nos enamora igual. Got To Get You Into My Life va anunciando ya el final del disco. En ella, aparentemente, McCartney nos habla de amistad, o de amor, pero algunos críticos han querido pensar, (no sin ausencia de malicia), que es un "sutil himno a la marihuana". Y Tomorrow Never Knows, por fin, nos muestra claramente que lo que querían en ese momento los Beatles no era precisamente pasar desapercibidos y seguir dando conciertos. Conseguían lo que querían, con este disco lo consiguieron todo, y el remate final, esta canción de lo más experimental hasta ese momento, lo deja verdaderamente claro.

Esta mañana, después de desayunar, he empezado a recoger un poco mi habitación. Como no me apetecía encender el ordenador tan pronto, (parezco una esclava), he cogido uno de mis discos olvidados y lo he puesto en la cadena de música. El elegido ha sido la Banda Sonora de Platoon (and Songs From the Era). No sé si habéis visto esta película, pero si no lo habéis hecho, ya estáis tardando. Este filme de Oliver Stone refleja como pocos el horror de la maldita Guerra de Vietnam, la locura, la desesperación y el caos. Y la Banda Sonora, compuesta por George Delerue, contribuye a dar esa visión tan lograda de la guerra, y a imprimir en el espectador esos sentimientos de dolor y de desazón. Abre el disco el Adagio for Strings que todos conocemos, porque es la imagen sempiterna que todos tenemos ya de la guerra y la destrucción. Después, encontramos canciones muy sesenteras: Tracks Of My Tears, de Smokey Robinson, o Okie From Muskogee de Merle Haggard. Capítulo aparte merecen Hello, I Love You, de Los Doors, y White Rabbit de Jefferson Airplane. Tras estas cuatro canciones George Deleure nos vuelve a deleitar con la pieza Barnes Shoot Elias, que hace referencia a un momento básico y grandioso de la película. La pieza termina, como os imagináis, con un importante disparo, para dejar paso a las canciones más conocidas de esta Banda Sonora (aunque no por ello menos buenas) que son Respect, de Aretha Franklin, y que nunca defrauda, (Sittin´on) The Dock Of The Bay, del soulman Ottis Redding, y When A Man Loves a Woman, de Percy Sledge. Groovin´, de los Rascals, es también otra canción muy buena, que nos va anunciando el fin del disco. Y que deja paso de nuevo a George Delerue, quien cierra el ciclo abierto desde la primera canción, terminando igual que empezó, con el fin del Adagio For Strings, pieza musical que, ciertamente, pone los pelos de punta. En definitiva, estamos hablando de un buen disco para una gran película, como suele ocurrir en la mayoría de los casos.

Compuesta originalmente por Bob Dylan en 1968, "All Along The Watchtower" es una de esas canciones que ya han pasado a la historia, tanto por la música y la letra como por lo que ésta trataba de expresar. No hay que olvidar que Dylan siempre escondía mensajes "ocultos" en sus letras, mensajes que hacían que, aunque la letra en apariencia hablase de otra cosa, finalmente acabase constituyendo toda una crítica hacia la sociedad norteamericana de la época.  En este caso, “All Along The Watchtower”, enmarcada en el octavo disco de Dylan John Wesley Harding (1967), evoca una crítica al capitalismo pero también un llamamiento a la transgresión, a romper las reglas. No en vano esta canción se convirtió en un gran mito del movimiento hippie. Fue, asimismo, versionada por los mejores músicos: la de Jimi Hendrix fue quizá la versión más aclamada de las que se hicieron en la época. Pero tenemos una más reciente a destacar, que es la versión que hizo U2 durante la gira americana del JosuaTree: mientras los componentes del grupo descansaban en su caravana, a cinco minutos de empezar el concierto, el manager les propuso tocar "All Along The Watchtower", ya que era una canción muy americana y gustaría a la gente. Sin sabérsela siquiera se pusieron manos a la obra, y en los cinco minutos que tenían, Bono se aprendió la letra y el resto de los componentes improvisaron la forma de tocarla. Por lo visto, el resultado fue tan impresionante que dicha versión se acabó incluyendo en el disco Rattle & Hum de U2. Pero, eludiendo el grado de calidad que pudiera tener la versión de Bono, hay que decir que Hendrix sí supo darle a la canción su toque particular de rock psicodélico, metiendo entre verso y verso solos de guitarra casi imposibles de tocar, y experimentando (no en vano Hendrix fue un pionero) con todo tipo de efectos y estéreo. Según el propio Hendrix, “sentía que Watchtower -incluida en su álbum “Electric Ladyland” (1968)- era algo que yo mismo había escrito pero a lo que nunca pude dar forma" (...) "Siempre me sentí de esa manera con Dylan. No podría escribir las palabras que él escribe, pero me ha ayudado a escribir, porque tengo mil canciones que nunca serán terminadas. Me siento un rato y escribo dos o tres palabras. Ahora tengo más confianza en mi mismo como para poder terminar una”. Quizás por ello “All along the watchtower” es una de las mejores canciones de The Jimi Hendrix Experience, y, por descontado, una de las mejores canciones de la historia del rock.  ¿Vosotros con quién os quedáis? ¿Con la original de Dylan, con la versión de Hendrix o con la de U2? Yo, sin restarle méritos a la original, me quedo con la versión de Jimi Hendrix, aunque está claro que casi estamos hablando de dos tipos de música diferentes para una misma canción, así que es difícil elegir. Incluyo aquí la letra, tanto en su versión original como traducida, y con la explicación de cada verso: (Es un “corta y pega”, lo reconozco. Pero lo anterior es todo mío, ¿eh?)

There must be some way out of here/Debe de haber alguna forma de salir

Said the joker to the thief/Dijo el bromista al ladrón

There's too much confusion/ Hay demasiada confusión

I can't get no relief" / "No encuentro consuelo"

Dylan nos mete de lleno en una conversación entre dos personajes. Nos encontramos con un bromista (bufón) y un ladrón. ¿Por qué estos personajes? Muy sencillo, son dos arquetipos que han existido siempre a lo largo de los siglos, y así se consigue que la historia sea atemporal. Podríamos describir precisamente al bromista como ese bufón, o en cualquier caso, artista, que es el personaje que rompe las normas establecidas, mientras que el ladrón es la persona que viola la ley, está fuera de las normas, y por lo tanto es alguien que no forma parte de la sociedad. Aquí a los dos personajes nos los presentan como amigos que intentan salir de algún sitio. Este lugar del que pretenden escapar, sin embargo, no nos es revelado. ¿Demasiada Confusion? ¿Por qué? Acaso hay demasiadas cosas que se interponen para salir de donde están...

Businessmen, they drink my wine/ Los hombres de negocios se beben mi vino

Plowmen dig my earth / Los labradores cavan mi tierra

None of them along the line/ Ni uno solo de ellos en su especialidad

Know what any of it is worth/ Se da cuenta de lo que eso vale

No reason to get excited/ No hay razones para alarmarse

The thief he kindly spoke / Dijo amablemente el ladrón

There are many here among us/ Hay mucha gente entre nosotros

Who feel that life is but a joke/ Que piensa que la vida no es sino una broma

But you and I, we've been through that/ Pero tú y yo ya hemos pasado por esto

And this is not our fate/ Y ese no es nuestro destino

So let us not talk falsely now/Así que no seamos falsos ahora

The hour is getting late/ Se está haciendo tarde

All along the watchtower / A lo largo de la torre del vigía

Princes kept the view / Los príncipes vigilaban el panorama

While all the women came and went / Mientras las mujeres iban y venían

Barefoot servants too / También sirvientes descalzos

Outside in the cold distance / Afuera a lo lejos

A wildcat did growl / Un gato salvaje gruñía

Two riders were approaching, and / Dos jinetes se aproximaban, y

The wind began to howl / El viento empezó a aullar

Repentinamente hay un cambio de escenario, y del diálogo pasamos a una descripción de la situación. De una forma abstracta nos presenta una escena con príncipes, sirvientes, algo del pasado, aunque desde un punto de vista metafórico, se puede entrever que dichos estereotipos representan la sociedad establecida, el conformismo. Sin embargo, en la fría distancia, un animal salvaje nos desvela lo que está por venir, algo fuera de ese conformismo... Son los dos jinetes (el bufón y el ladrón), y el viento anuncia su llegada... Los jinetes se aproximan a la torre, van a asaltarla y establecer una nueva sociedad con otros valores, los de la libertad...

Pulp Fiction (1994) es – en mi opinión- la gran obra del cine contemporáneo. Tarantino en este film supo elegir a la perfección tanto a los actores y el decorado como los diálogos, la estructura de las historias que narra, y, por supuesto, la banda sonora. Si la habéis echado un vistazo estaréis completamente de acuerdo conmigo. Y si habéis escuchado las bandas sonoras de Reservoir Dogs o de Kill Bill, constataréis conmigo que Tarantino sabe siempre escoger las canciones que él considera más representativas para sus pelis, y que, por lo demás, tiene un muy buen gusto musical. La Banda Sonora de Pulp Fiction está repleta de grandes canciones interpretadas por grandes e ilustres músicos del pasado.

El disco comienza con la reproducción del atraco que protagonizan en la cafetería al inicio de la película Pumpkin y Honey Bunny, pareja magníficamente interpretada por Tim Roth y Amanda Plummer: “Te quiero Pumpkin. Te quiero Honey Bunny”. A continuación oímos el ruido que produce Pumpkin al levantarse de la silla y las palabras que se atreve a pronunciar: ¡Todo el mundo quieto, esto es un atraco!" que es secundado por su novia Honey Bunny: “¡¡Y como algún jodido capullo se mueva… me cago en la leche, me pienso cargar hasta el último de vosotros!!” Nos quedamos en ascuas, porque inmediatamente después de escuchar esto, nos atrapa la primera nota de ese ritmo surfero que encarna Dick Dale con sus Del-Tones. Ésta es la canción que ha quedado y quedará en la memoria de todos como “la canción de Pulp Fiction”. La hemos oído en anuncios de la tele, y hace poco, hemos podido ser testigos del semi-plagio que han hecho los Black Eyed Peas en una canción de su último álbum. Se podría decir que Misirlou es la canción de cabecera, aunque para abrir el film se une a ésta la de los funkies Kool & The Gang: Jungle Boggie, que oímos de fondo mientras Jules y Vincent (John Travolta y Samuel L. Jackson), los matones a sueldo de Marsellus Wallace, mantienen una conversación sobre las “pequeñas diferencias” que aprecian entre Europa y América en lo referente a drogas y hamburguesas.

Después de tanto ritmo surfero y funki (por decir algo, porque no sé cómo calificar el estilo de Jungle Boggie), nos encontramos con el soul más dulce de la mano de Al Green y su Let´s Stay Together, que suena de fondo en el pub en el que Marsellus intenta -y de hecho consigue- sobornar a Putch, el duro boxeador interpretado por Bruce Willis. Volvemos a la playa con Bustin´Surfboards, de los Tornadoes, que en la película suena en la casa del camello al que Vince le compra la droga para la tempestuosa noche en la que sale con Mía a cenar y a bailar. En las siguientes escenas, las correspondientes a la velada de Vincent Vega y Mía Wallace, podemos escuchar varias canciones seguidas (incluso algunas no las incluyen en el disco) y que son todas muy buenas. Lonesome Town, de Ricky Nelson; Son of a Preacher Man, de la diva británica de los 60, Dusty Springfield, que suena en casa de Mía cuando Vincent va a recogerla, o Bullwinkle Part II, que oímos momentos antes de la escena anterior, cuando Vincent va en el coche con cara de flipado tras haberse metido un buen chute de heroína. Todas estas canciones nos trasportan a los años 50 y 60, años que dieron a luz al rock & roll de la mano de Chuck Berry. Escuchando You Never Can Tell aparece en nuestro imaginario colectivo el baile que se marcan Mía y V. Vega, una de esas escenas míticas que ya han pasado a formar parte de la Historia del Cine. Una de mis favoritas de este disco es sin duda Girl, you´ll be a woman soon, versión que hace Urge Overkill de un tema de Neil Diamond, y que en la película la podemos escuchar cuando llegan a casa después del baile y Mía está tan desfasada que se pone a bailar alocadamente y acaba administrando erróneamente su consumo de drogas.

Después de todo esto, la música nos hace entrar de lleno en el capítulo de Putch. Así, tenemos If Love is a red Dress, de María McGee, que suena en la tienda de armas antiguas en la que dos tarados amordazarán a Marsellus y a Putch. Comanche, de los Revels, es esa canción que te envuelve en la locura y te muestra lo más sórdido de la insolencia humana durante la escena en la que Putch se desata y, en vez de huir, decide liberar a Marsellus, (que hasta entonces era su enemigo) para lo que se agencia una katana con la que cortará los huevos a esos cretinos que les habían retenido para violarles. Flowers on The Wall, como Comache, es otra canción tipo western, que tanto gustaban a Tarantino. Y por fin cerramos el disco con Surf Rider, de los Lively Ones, con los que se acaba la película, y que, como os imagináis, destacan también por su estilo surfero. Como nota final podemos destacar el pasaje de la Biblia que suele recitar Jules durante la película antes de matar a alguien: el Ezequiel 25:17. Y, ¿qué mejor forma de acabar el disco que con esos irónicos disparos?

Precursor de las técnicas de grabación y psicodelia, el Sgt. Pepper´s, octavo álbum de los Beatles (1967), se convirtió en un fenómeno de la cultura popular del momento. Fue el primer disco grabado en ocho canales, con dos consolas de cuatro canales, equipos de grabación hoy considerados básicos. Inspiró el movimiento hippie y a la vez se alimentó de él durante el llamado “Verano del Amor”. La portada es toda una obra de arte de Peter Blake, artista pop, que materializó la idea que tenía Paul en la cabeza sobre un concierto de una banda de pueblo, La Banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta. El propio cuarteto se convirtió en esa banda de solitarios, lo que podemos apreciar en la portada del álbum: aparecen los cuatro vestidos de sargentos y con su famoso bigote. A su derecha les encontramos de nuevo como muñecos de cera pero con la indumentaria habitual de sus inicios. Se ve claramente el cambio que han experimentado con los años. A su alrededor, tenemos todo un collage de rostros célebres provenientes del mundo del arte, de la música, de la literatura, de la historia y del cine. Así, reconocemos a Marylin Monroe, Marlon Brando, Bob Dylan, Cassius Clay, D.H. Lawrence o Shirley Temple. El rostro del actor mexicano Germán Valdés "Tin Tan" aparecería en la portada, pero se negó a última hora, enviando en su lugar un árbol de la vida de Metepec (planta tradicional mexicana) que aparece en un extremo de la fotografía.  Según Wikipedia, “también estarían Karl Marx, Gandhi, Hitler y Jesucristo, pero se cambió ya que poco antes Lennon dijo la frase de "más populares que Cristo" y era mejor no ofender a hindúes, judíos y cristianos”. No sé si me estaré quedando ciega o si  soy más inculta de lo que pensaba, pero yo juraría que, al menos, Karl Marx, sí está en la foto. Y creo que Hitler también.

El Sgt. Pepper´s es el primer álbum concepto, ya que hasta entonces la duración de las canciones o singles era de dos a tres minutos, y, cuando aparecían unas cuantas de un mismo grupo o formación en la lista estadounidense de los 40 principales, se recogían aunque no tuvieran nada que ver entre ellas y se editaban en un álbum. Esto no ocurrió en Londres con el Sgt. Peppers, y por ello también supuso una novedad. Las canciones en este álbum se encadenan suavemente, la música prácticamente no se interrumpe, lo que respondería a la idea de concierto que querían materializar los Beatles en este álbum. Producido por George Martin, el disco contiene 13 canciones que contrastan y que ponen de manifiesto todo lo que tenían en la cabeza los cuatro de Liverpool y lo que eran capaces de hacer. Ya en Revolver (1966) o en Rubber Soul habían dado las primeras pinceladas en este aspecto, pero se podría decir que este álbum alcanza el cenit de la psicodelia, de la experimentación y de la poesía onírica.

El “concierto” comienza con la presentación de la Banda y del gran Billy Shears con las primeras notas de rock duro, para pasar sin interrupción alguna a With a Little Help from My Friends, una oda a la amistad cantada por Ringo, aunque alguna mente maliciosa haya pensado que “esos amigos que les ayudaban” eran los porros o los estupefacientes, algo que por otra parte, no era en ningún modo falso. Cuando grabaron este álbum trabajaban de sol a sombra, y efectivamente, sí se permitían “ciertas ayudas” para continuar grabando las canciones con ganas e ilusión. La paranoia de las drogas también se aprecia en Lucy in the Sky with Diamonds, quizá una de las canciones más representativas del álbum, cuyo acrónimo, LSD, también dio que hablar, y Lennon, que tenía respuestas para todo, aseguró que la idea del título de la canción fue motivada por un dibujo que hizo su hijo en el colegio.

Con Gettin´Better descansamos un poco de tanto surrealismo y nos metemos de lleno en el mundo de Paul, un mundo que en su opinión va mejor con esos “arreglos de sonido y su particular y constante guitarra”. Seguimos en el mundo de Paul con Fixing a Hole, canción que parece haber sido influenciado por la época de los '20 o de los '30, aunque posee también algo nuevo e innovador, como la combinación de guitarras y teclado y la capacidad de McCartney de alternar entre armonías, al igual que en el siguiente tema: She´s Leaving Home, una bella pieza músical en la que nos vemos envueltos, de la mano de cuerdas clásicas y arpas, en el dolor de una joven que abandona su hogar. Es comparada por muchos críticos con grandes obras de la música clásica.

En Being for The benefit of Mr. Kite!, Lennon nos traslada a un gran circo, con enanos, acróbatas y hasta un caballo que baila el vals; con clavicordios, órganos, una batería hipnótica, sonidos de feria y la voz nasal y fría de Lennon tiene posiblemente una de las mejores atmósferas jamás creadas por un productor. Within You Without You muy al estilo hindú de mano de George Harrison, con su sitar y acompañamiento de violines recorriendo escalas orientales mientras con su voz ensoñada nos habla de Dios, de las personas y del amor. En mi opinión, ésta es quizá la canción más pesada del álbum. Harrison ya escribió algo de este estilo en “Revolver”: Love You To, que sin embargo me gusta más que ésta. When I´m Sixty Four, una obra típica de McCartney, muestra una historia sobre el amor eterno, aunque con un aire de cabaret, dado por las flautas, que la hace única e inconfundible, sin dejar de ser puramente naif. Esta canción fue creada por McCartney en su adolescencia y la inspiró la edad de su padre. En Lovely Rita encontramos un pop renovado también al estilo MacCartney pero menos empalagoso que el de la canción anterior, con excelentes arreglos pianísticos y hermosas voces de McCartney y Lennon.

En Good Morning Good Morning  un gallo canta anunciando el amanecer, para dar lugar a una canción acelerada, que te anima y te da los buenos días o las buenas tardes, se puede escuchar en cualquier momento. Fue ideada por Lennon a partir de un aviso de hojuelas de maíz Kellogs. En el final se incorporaron una serie de ruidos de animales y con el gallo otra vez pasamos a la próxima canción: la "Reprise" de la primera canción, del Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band, que tiene básicamente su mismo ritmo, aunque sin los arreglos de viento y un tanto más rápida, sumando además una guitarra que la hace inconfundible y que mantiene un ritmo rockero.

Para terminar, la apoteósica A Day In The Life de Lennon, basada en un collage de noticias tomadas de un periódico que le hacen reflexionar. En esta canción vemos todo envuelto en una atmósfera difusa y borrosa, y eso es lo que hace sin duda a esta canción tan bella y excepcional. El inicio, con la voz soñadora de John, te va sumergiendo poco a poco en un ascendente ruido sinfónico que se eleva y se eleva hasta lo más alto que permiten los instrumentos, como el sonido de un despegue o aterrizaje de un vuelo que súbitamente se corta por un reloj despertador. Parece que pasamos a otra canción, ¡pero no! seguimos en el mismo “día en la vida”. Los sentidos se aclaran en la voz límpida y clara de un McCartney que se levanta de la cama, se toma un té, va corriendo al autobús, “se fuma uno”, oye una voz y se queda sopa en el bus. Así nos sumergimos también nosotros en un sueño más profundo aún que el anterior de nuevo con la voz de Lennon, que se debate flotante entre la marea de una orquesta Wagneriana, grandiosa y gigantesca. Otra vez nos va atrapando ese ruido del despegue o aterrizaje, una explosión y el abismo, y, como colofón final, una nota de piano que parece interminable. Al final del disco oímos unos ruidos de voces extrañas, segundos de galimatías aparentemente invertidas, que han hecho pensar en un mensaje oculto. Sin embargo, se dice que “en realidad éstas fueron grabadas para ocupar el último surco del disco, siempre vacío para evitar así que la gente que no tenía tocadiscos automático no escuchara sin cesar el horrendo ruido de freidora que provocaba el último surco vacío”.

Para terminar, un último dato: en septiembre de 2005 este disco fue elegido por la revista Rolling Stone como el mejor álbum de todos los tiempos. No en vano, el Sgt Pepper´s causó sensación en su época y sigue causándola, “porque sigue manteniendo la emoción y frescura. Es un disco difícil de superar y que ha influido en generaciones de músicos con diferentes propuestas y estilos”.

Ésta es una de mis preferidas de Harrison con los Beatles, aunque también debería mencionar I Me Mine, Only a Northern Song, Savoy Truffle,  o Something. Contenida en el White Album, While My Guitar Gently Weeps me parece una canción especialmente buena. Fue una de las pocas canciones de los Beatles interpretadas por Harrison durante su gira Dark Horse, a finales de 1974. (Por cierto, el otro día me estuve preguntando para qué narices hago esto de las canciones, porque los que leáis esto y os gusten los Beatles, ya sabréis de sobra todo lo que estoy contando; y a los que no os gusten los Beatles, os importará una mierda todo lo que os cuente o deje de contaros. Así que nada, si os gusta esta canción me parece estupendo; y si no la conocéis, no sabéis lo que os estáis perdiendo...)  

Como hice la otra vez con Happiness Is A Warm Gun, voy a transcribir lo que dijo George Harrison cuando se le preguntó por la historia de la canción: "Tenía un ejemplar del I Ching, el Libro chino de los Cambios, que me parecía basado en el concepto oriental de que todo está relacionado con todo, en contraposición con el punto de vista occidental de que las cosas ocurren por mera coincidencia. Esta idea me rondaba por la cabeza cuando fui a visitar a mis padres en el norte de Inglaterra. Decidí componer una canción basada en lo primero que viera al abrir un libro, ya que estaría relacionado con aquel momento, con aquel tiempo. Cogí un libro al azar, lo abrí, leí 'gently weeps' (dulcemente llora), cerré el libro y empecé la canción. Antes de grabarla cambié un poco la letra". (Finales 1969) 

Harrison trabajó en esta canción con John, Paul y Ringo un día, “y no les interesó en absoluto”. Sin embargo, el no cejó en su empeño: “Yo sabía que era una buena canción. Al día siguiente estaba con Eric Clapton y, de camino a la sesión, le dije: 'Vamos a hacer esta canción. Ven a tocarla'. El dijo: 'Huy, no, no puedo. Nadie toca en un disco de los Beatles'. Yo le dije: 'Mira, es mi canción y quiero que la toques'. "Así que vino Eric y los otros tres estaban como la seda por su presencia. Además, eso me permitió tocar sólo rítmica y hacer la voz solista. Eric la tocó y lo que hizo me pareció realmente bueno. Al escucharla, él dijo: 'Ah, pero hay un problema; no es lo bastante beatle', así que pusimos el ADT (doblador automático) para que el sonido vibrara un poco más". (Noviembre 1987)

En otro comentario que hizo George Harrison en 1987 reconoce que,-inexplicablemente-, no se sentía muy seguro de sí mismo en la época en la que ideó esta canción: "Me encanta lo que tocó Eric en el original, pero hay versiones mías en directo que son mejores en algunos aspectos. Sabes, en la época de los Beatles no me gustaba cómo cantaba. No sabía cantar muy bien. Llevaba la paranoia encima y estaba muy nervioso, y eso me inhibía a la hora de cantar".  

WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS

(100% Harrison) 

I look at you all
See the love there that's sleeping
While my guitar gently weeps
I look at the floor
And I see it needs sweeping
Still my guitar gently weeps
I don't know why
Nobody told you
How to unfold your love
I don't know how
Someone controlled you
They bought and sold you
I look at the world
And I notice it's turning
While my guitar gently weeps
With every mistake
We must surely be learning
Still my guitar gently weeps
I don't know how
You were diverted
You were perverted too
I don't know how
You were inverted
No one alerted you
I look at you all
See the love there that's sleeping
While my guitar gently weeps
Look at you all
Still my guitar gently weeps.  

Esta canción de Los Beatles es…  buenísima. Está claramente entre mis mejores, porque no es una canción corriente. (Casi ninguna de Los Beatles lo es). El título, para empezar, ya te llama la atención; y no es para menos. Y cuando oyes la canción por primera vez, te distrae de lo que estás haciendo, y piensas: “Joder, ¿qué es eso?”. Pues eso es, nada más y nada menos que un 100% Lennon. Y ya que le hemos mencionado, voy a referirme a un artículo de García Márquez que he encontrado y que está bastante bien: se titula “La nostalgia sigue siendo igual que antes” y fue escrito en 1982. Los primeros párrafos me parecen los más destacables: <<Ha sido una gran victoria de la poesía. En un siglo en que los vencedores son siempre los que sacan más votos, los que meten más goles, los hombres más ricos y las mujeres más bellas, es alentadora la conmoción que ha causado en el mundo entero la muerte de un hombre que no había hecho más nada que cantarle al amor. Es la apoteosis de los que nunca ganan. Durante 48 horas no se habló de otra cosa. (…) Los reporteros de la televisión le preguntaron a una señora de ochenta años cuál era la canción de John Lennon que le gustaba más, y ella contestó como si tuviera quince: La felicidad es una pistola caliente [Happiness Is A Warm Gun]. Un chico que estaba viendo el programa dijo: A mí me gustan todas. Mi hijo menor le preguntó a una muchacha de su misma edad por qué habían matado a John Lennon, y ella le contestó, como si tuviera ochenta años, porque el mundo se está acabando.

Así es: la  única nostalgia en común que uno tiene con sus hijos son las canciones de los Beatles. Cada quien por motivos distintos, desde luego, y con un dolor distinto, como ocurre aquel día memorable de 1963, en México, cuando oí por primera vez de un modo consciente una canción de los Beatles. A partir de entonces descubrí que el universo estaba contaminado por ellos. En nuestra casa de San Ángel, donde apenas si teníamos donde sentarnos había sólo dos discos: una selección de preludios de Debussy y el primer disco de los Beatles. Por toda la ciudad, a toda hora, se escuchaba un grito de muchedumbre: Help, I need somebody. Alguien volvió a plantear por esa  época el viejo tema de que los músicos mejores son los de la segunda letra del catálogo: Bach, Beethoven, Brahms y Bartok. Alguien volvió a decir la misma tontería de siempre: que se incluyera a Bozart.”(…) Emilio García Riera, que estaba de acuerdo conmigo y que es un crítico e historiador de cine con una lucidez un poco sobrenatural, sobre todo después del segundo trago, me dijo por esos días: "Oigo a los Beatles con cierto miedo, porque siento que me voy a acordar de ellos por todo el resto de mi vida". Es el único caso que conozco de alguien con bastante clarividencia para darse cuenta de que estaba viviendo el nacimiento de sus nostalgias. Uno entraba entonces en el estudio de Carlos Fuentes, y lo encontraba escribiendo a máquina con un sólo dedo de una sola mano, como lo ha hecho siempre, en medio de una densa nube de humo y aislado de los horrores del universo, con la música de los Beatles a todo volumen. >> 

La historia de la canción la explica así su compositor: "Había una revista de armas por ahí, y en la portada había una pistola humeante. El título del artículo, que nunca leí, era 'Happiness Is A Warm Gun' (La felicidad es una pistola caliente)". "Pensé: 'Qué cosa tan fantástica, tan demencial'. Una pistola caliente significa que acabas de dispararle a algo".  Hay que decir que Lennon vio la revista de armas norteamericana pocos días después del asesinato de Robert Kennedy. Asimismo, Lennon aseguró que "la canción se compuso a partir de fragmentos de unas tres canciones diferentes y parecía que recorriera distintos tipos de rock". (Estas declaraciones datan de septiembre de 1980). 

Happiness Is A Warm Gun, incluida en el “White Album”, fue prohibida por la BBC debido a su simbolismo sexual. (Qué rancios) Pero también había quien la relacionaba con las drogas, como a muchas otras de las canciones del cuarteto...  Cuando Lennon canta “I need a fix cause I´m going down”, no parece estar refiriéndose a otra cosa, pero bueno…, a pesar de ello, él se reafirmaba así en unas declaraciones de abril del 72: "La considero una de mis mejores. Es una hermosa canción, y realmente me gusta todo lo que sucede en ella". "Todos dijeron que iba de drogas, pero iba más de rock 'n' roll que de drogas. Es como una historia del rock 'n' roll... No sé por qué la gente decía que iba de una aguja de heroína. Sólo una vez he visto a alguien hacer cosas con una aguja, y no me gustó en absoluto".  

McCartney también aseguraba a finales de 1969 que quizá esta sea su canción favorita del Álbum Blanco. Y Harrison también la mencionó entre sus favoritas. (Por lo visto a Ringo nadie le pidió su opinión…). Y, por último, como comentario curioso, podemos añadir el de Ronald Reagan, quien confesó: "Recuerdo que una vez, cuando tenía unos trece años, cogí prestado el Álbum Blanco a mi hermana y mi madre se enfadó porque estaba escuchando 'Happiness Is A Warm Gun'. Realmente se disgustó muchísimo". (Febrero 1984) 

La mezcla mono que se utilizó en el álbum corresponde al día 26 de septiembre de 1968, y, por fin, os pongo la letra de la canción:  

HAPPINESS IS A WARM GUN
John Lennon - Paul McCartney


SHE'S NOT A GIRL WHO MISSES MUCH,
DO, DO, DO, DO, DO, DO, OH YEAH.
SHE'S WELL ACQUAINTED WITH THE TOUCH
OF THE VELVET HAND LIKE A LIZARD ON A WINDOW PANE.
THE MAN IN THE CROWD WITH THE MULTICOLOURED
MIRRORS ON HIS HOB NAIL BOOTS.
LYING WITH HIS EYES WHILE HIS HANDS ARE BUSY WORKING OVERTIME.
A SOAP IMPRESSION OF HIS WIFE WHICH HE ATE
AND DONATED TO THE NATIONAL TRUST.

DOWN.
I NEED A FIX 'CAUSE I'M GOING DOWN,
DOWN TO THE BITS THAT I LEFT UP TOWN.
I NEED A FIX 'CAUSE I'M GOING DOWN.

MOTHER SUPERIOR, JUMP THE GUN,
MOTHER SUPERIOR, JUMP THE GUN,
MOTHER SUPERIOR, JUMP THE GUN,
MOTHER SUPERIOR, JUMP THE GUN,
MOTHER SUPERIOR, JUMP THE GUN,
MOTHER SUPERIOR, JUMP THE GUN.

HAPPINESS IS A WARM GUN,
(Happiness bang, bang, shoot, shoot)
HAPPINESS IS A WARM GUN, MAMA,
(Happiness bang, bang, shoot, shoot)
WHEN I HOLD YOU IN MY ARMS
(Oo - oo oh yeah)
AND I FEEL MY FINGER ON YOUR TRIGGER,
(Oo - oo oh yeah)
I KNOW NOBODY CAN DO ME NO HARM
(Oo - oo oh yeah)
BECAUSE  . . .  IS A WARM GUN, MAMA,
(Happiness bang, bang, shoot, shoot)
HAPPINESS IS A WARM GUN, YES, IT IS,
(Happiness bang, bang, shoot, shoot)
HAPPINESS IS A WARM, YES, IT IS,
GUN -
(Happiness bang, bang, shoot, shoot)
WELL, DON'T YOU KNOW THAT HAPPINESS
IS A WARM GUN, MAMA?
(Happiness is a warm gun, yeah)